Ofrenda

Florencia Portocarrero
14 sept
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Actualizado: 21 sept

Ofrenda reúne a un grupo intergeneracional de artistas que entiende la escultura como un campo expandido, donde la vulnerabilidad y la transformación de la materia permiten repensar el cuerpo y lo doméstico. En contraste con cierta tradición escultórica, monumental y solemne, las obras de la exposición privilegian el proceso sobre la permanencia, articulan lo industrial con lo artesanal y evocan afectos “menores” como la extrañeza y el humor.

Escribe Florencia Portocarrero

Alice Wagner . Fantasmas. Retratos de familia y Anatomía (2025)

Se dice que la ofrenda abre un umbral entre nuestro mundo y los planos “más-que-humanos” que convoca. De enorme fuerza simbólica, adopta, sin embargo, una forma humilde, casi doméstica: un ensamblaje de materias y objetos —vivos e inertes— cargados de memoria, deseos y afectos. Pero la ofrenda no se agota en los sentimientos de devoción; parte, más bien, del reconocimiento de nuestra profunda dependencia de fuerzas que nos exceden y tienen agencia propia.

Taxon Unit #07 (Barnacle) (2025), De Jimena Kato

Ofrenda, primer proyecto de exhibición colectiva de Mueve Galería, traslada esta lógica animista-relacional al espacio del arte. La muestra reúne a un grupo intergeneracional de artistas —Aileen Gavonel, Alice Wagner, Genietta Varsi, Iracema Vera, Jimena Kato, Katherine Fiedler, María Abaddon, Marisabel Arias y Pati Camet— que abordan la escultura como un campo expandido, en el que la vulnerabilidad y la transformación de la materia se convierten en puntos de partida para repensar nuestra relación con el cuerpo y el espacio doméstico.

Una exposición colectiva e intergeneracional de escultorxs puede pensarse, también, como una reunión de familia dispersa que emerge en respuesta a un contexto adverso. En efecto, pese a las profundas redefiniciones que la práctica escultórica experimentó desde fines de los años sesenta, en el Perú ha permanecido históricamente subordinada a la lógica del monumento: dispositivo por lo general emplazado en el espacio público y realizado para conmemorar gestas bélicas y héroes. Estas obras —habitualmente verticales y jerárquicas— recurren a materiales canónicos —bronce, mármol, piedra— y apelan a afectos graves —honor, sacrificio y deber cívico— para sostener su autoridad simbólica.

Se ofrecen encontrándose (2024), Katherine Fiedler

Derecha: Marisabel Arias. Cute & Casual: corazón homosexual (2024)

Ofrenda ensaya, en cambio, una apuesta inversa. El proyecto se ha gestado durante meses, casi intuitivamente, a partir de un diálogo sostenido entre artistas y curaduría. Como resultado la mayoría de las obras, que han sido especialmente creadas para la exposición, privilegian el proceso sobre la permanencia y articulan lo industrial con lo artesanal con el fin de cuestionar las jerarquías de valor impuestas por la historia del arte. Más aún, en lugar de apelar a la solemnidad o al deber, reivindican afectos “menores” —como la extrañeza o el sentido del humor— para burlar el filtro de la razón e invitar al público a descubrir en lo cotidiano un espacio de imaginación política radical.

Genietta Varsi. Diafragma = Horizonte (2025)

Los Virus, aún estoy aquí (2025) de Pati Camet

El montaje de Ofrenda espacializa esta lógica y dispone las piezas según resonancias temáticas y materiales, rehuyendo la construcción de cronologías o hitos espaciales. Así, como en toda ofrenda, las obras se reúnen no para señalar un camino único, sino para retroalimentarse y conformar un campo común de energías y afecciones. En última instancia, el proyecto afirma la urgencia de imaginar genealogías e influencias posibles entre artistas que, aunque pertenecen a generaciones distintas, se reconocen como emparentadxs en su interés por subvertir el orden simbólico de lo cotidiano y, en ese gesto, cuestionar la naturaleza y la función de la escultura.